Казах мажор?
Известный исландский композитор Йоуханн Йоуханнссон (именно так следует произносить его имя и фамилию) мечтал десять лет создать своего рода экранный эквивалент знаменитой фантастической книги «Последние и первые люди» англичанина Олафа Стэплдона, которая была написана ещё в 1930 году и оказала большое влияние на многих фантастов в мире. Кроме того, вдохновляющим для изобразительного решения будущего фильма стал фотоальбом «Споменики» (2010) бельгийца Яна Кемпенаэрса, который сделал снимки различных скульптур и железобетонных монументов, поставленных на уединённых территориях коммунистической Югославии в память о событиях второй мировой войны. Датский оператор Стурла Брандт Грёвлен постарался при посредстве особых ракурсов и движения камеры усилить ощущение «космизма» от этих реальных памятников, ныне производящих стойкое впечатление как от некой погибшей цивилизации. Или же может возникнуть аналогия с тем, как различные артефакты на Земле были представлены в качестве свидетельств неоднократного посещения инопланетян в ленте «Воспоминания о будущем» Харальда Райнля, получившей в начале 70-х годов скандальную славу.
Воспоминания о будущем
Рецензия размещена предварительно на ivi.ru
Известный исландский композитор Йоуханн Йоуханнссон (именно так следует произносить его имя и фамилию) мечтал десять лет создать своего рода экранный эквивалент знаменитой фантастической книги «Последние и первые люди» англичанина Олафа Стэплдона, которая была написана ещё в 1930 году и оказала большое влияние на многих фантастов в мире. Кроме того, вдохновляющим для изобразительного решения будущего фильма стал фотоальбом «Споменики» (2010) бельгийца Яна Кемпенаэрса, который сделал снимки различных скульптур и железобетонных монументов, поставленных на уединённых территориях коммунистической Югославии в память о событиях второй мировой войны. Датский оператор Стурла Брандт Грёвлен постарался при посредстве особых ракурсов и движения камеры усилить ощущение «космизма» от этих реальных памятников, ныне производящих стойкое впечатление как от некой погибшей цивилизации. Или же может возникнуть аналогия с тем, как различные артефакты на Земле были представлены в качестве свидетельств неоднократного посещения инопланетян в ленте «Воспоминания о будущем» Харальда Райнля, получившей в начале 70-х годов скандальную славу.
С другой стороны, самый первый кадр картины Йоуханнссона явно соотносится с образом Чёрного Монолита из фильма «2001: Космическая одиссея» Стенли Кубрика, созданного по сценарию Артура Кларка, который также высоко ценил произведение Стэплдона. А вот медитативная манера подачи экранного материла, к тому же сопровождённая необычно звучащей музыкой Йоуханна Йоуханнссона (дополнительно участвовали в записи Яир Элазар Глотман из Берлина и исландка Хильдур Гуднадоттир, которая считает себя ученицей Йоуханнссона), напоминает, скорее всего, кинематографический шедевр «Кояанискатси» Годфри Реджо с использованной партитурой Филипа Гласса. Но в отличие от этой ленты, есть ещё закадровый текст из книги Олафа Стэплдона, прочитанный английской актрисой Тилдой Суинтон, что отсылает, в свою очередь, к опыту её совместной деятельности в кино с другим британцем, режиссёром-экспериментатором Дереком Джарменом.
Всё это отнюдь не исключает оригинальности и подчас парадоксальности исландской картины, которая за полгода до внезапной смерти автора и потом ещё дважды показывалась в сопровождении симфонического оркестра на фестивалях искусств. И только в феврале 2020 года завершённая соратниками Йоуханна Йоуханнссона экранная версия стала достоянием публики на Берлинском кинофестивале, где вызвала большой интерес. А главное, что можно вынести из просмотра этой экспериментальной работы, если даже не быть знакомым с её литературным первоисточником и не ведать о философских воззрениях писателя, заключается в утверждении бесконечной длительности человеческого бытия, несмотря на несомненное наличие двух «чёрных бездн» до и после его существования. То есть с точки зрения миллиардов лет следует считать человечество практически бессмертным. Как говорит Крис Кельвин в продолжительных беседах со Снаутом в «Солярисе» Андрея Тарковского, снятом по роману Станислава Лема, который тоже придавал особое значение творению Стэплдона, это связано ещё с тем, что человек не знает дня своей смерти. И основной посыл, адресуемый самыми последними людьми тем, кто живёт сейчас, состоит в призыве максимально ощущать всю полноту этой жизни, осознавая, что каждый из нас - лишь мельчайшая частица глобального космического процесса, той Вечности, которая постижима лишь единым общечеловеческим разумом.
Пожалуй, афористично высказался один французский кинокритик, именно так определив суть творчества выдающегося японского режиссёра Микио Нарусэ, чей юбилей (115 лет со дня рождения) - как раз сегодня. Я давно сожалел о том, что видел только 20 фильмов Нарусэ на ретроспективе в московском Музее кино, которая знаменательно состоялась там в начале XXI века, спустя два года после подобного события, посвящённого Ясудзиро Одзу. И если Одзу, который снимал практически параллельно на протяжении почти сорока лет, теперь заслуженно признан самым лучшим творцом кинематографа Японии, то Микио Нарусэ остаётся несколько в тени.
У них действительно перекликается многое, а главное, что объединяет обоих - удивительное умиротворение, которое посещает даже при просмотре весьма грустных историй. Вот ныне я успел ознакомиться накануне юбилея Нарусэ с девятью картинами из намеченных сорока семи - и в ряде случаев ("Бесконечная улица", "По слухам - дочь", "Утренняя дорога, обсаженная деревьями", "Женская меланхолия") поистине проникаешься светлой печалью в финале. Жизнь продолжается, несмотря ни на что.
Кадр из фильма "Бесконечная улица" (1934), снятого Микио Нарусэ в 28-летнем возрасте.
Казахский режиссёр Акан Сатаев, который дебютировал в качестве режиссёра сравнительно поздно - в 37 лет, потом работал интенсивно, сняв 12 фильмов и два минисериала, причём отличался всеядностью, чередуя криминальные истории про рэкетиров и ликвидаторов с историко-биографическими картинами, в частности, приложив руку к одной из лент в игровом цикле о Нурсултане Назарбаеве. Кстати, он уже несколько лет сотрудничает с Алиёй Назарбаевой, младшей дочерью первого президента Республики Казахстан и лидера нации, чьи цитаты использованы ещё в первом дорогостоящем проекте Сатаева - «Тысяча храбрых мальчишек» / «Отважные», действие которого происходило во второй четверти XVIII века и было посвящено борьбе разрозненных казахских племён против джунгар. И в том фильме, можно сказать, оказалась впервые заявленной тема женщины-воина, молодой девушки Корлан, сражающейся наравне с парнями-батырами, вместе с которыми она выросла и обучилась военному искусству.
Между прочим, названная картина вызвала немалый интерес на Западе - так что её постановщик был привлечён для создания своей первой англоязычной ленты «Хакер», пусть и касающейся уже «современных битв» двух юношей и одной девушки со всем мировым капиталом. Но даже в его единственной арт-хаусной работе экспериментального плана под названием «Она», вновь по сценарию верного и постоянного соавтора Тимура Жаксылыкова, нетрудно обнаружить вполне феминистский подход к материалу, когда почти на всём протяжении действия мы видим на экране в абсолютно пустом мире только одну женщину-балерину, и её дочь, а больше никого вроде как не существует на свете.
Происходящее в фильме «Томирис» относится к более давним временам ещё до нашей эры, и можно предположить, что в рассказе о соперничестве саков и массагетов, которые принадлежали всё-таки к общей группе кочевников, живших на территории Южного Казахстана и Киргизии, использованы сведения о высоком положении женщин в тогдашней общественной иерархии. Например, была известна Томирия, вдова местного царя, которая в войне с Киром, вождём персов, стояла во главе войска массагетов. Правда, в экранной версии Томирис - дочь сакского царя Спаргапа, злодейски убитого массагетами. Чудом спасшаяся от расправы маленькая девочка потом вырастает в грозную воительницу, способную повести за собой в бой тысячи соплеменников.
И если первая треть «Томириса» не выглядит столь привлекательной с точки зрения масштабного исторического зрелища, то в дальнейшем создатели фильма явно навёрстывают упущенное. Будучи уже опытным в весьма нелёгком деле воссоздания минувших эпох и набравшись мастерства в представлении на экране всевозможных схваток - как индивидуальных, так и массовых, режиссёр Акан Сатаев чувствует себя увереннее в этом «пеплуме по-казахски». Да и вообще в современном кинематографе Казахстана сформировалась определённая традиция эпических повествований на историческом материале, начало которых было положено ещё в «Гибели Отрара», снятой как раз на сломе «советской империи».
Парадоксально, что новый фильм «Таинственный сад» английского режиссёра Марка Мандена получился более голливудским по манере, особенно из-за фантазийных сцен, реализованных со всей мощью современных спецэффектов, нежели прежняя версия произведения Фрэнсис Ходжсон Бёрнетт, которую поставила в 1993 году для американской кинокомпании Фрэнсиса Форда Копполы польская еврейка Агнешка Холланд. Вполне укромный сад за каменной стеной, почти невидимой из-за диких зарослей, превратился в нынешней экранизации чуть ли не в «затерянный мир», ненароком обнаруженный посреди вересковой пустоши на просторах Йоркшира. Конечно, есть в сентиментальной истории, рассказанной Бёрнетт в типичном британском стиле, многозначительная фраза: «Весь мир - это сад». Но вряд ли следовало понимать это слишком буквально, представляя поведанное уже таким образом: «Сад - это весь мир».
А ведь по ряду работ Мандена, созданных для телевидения, можно было предположить, что он подойдёт бережнее и тактичнее к литературному первоисточнику, давно ставшему классикой детского чтения. И не очень понятно, например, зачем понадобилось переносить действие романа, написанного в 1911 году, на три с половиной десятилетия вперёд, когда произошёл раздел бывшей британской колонии на довольно враждебные по отношению друг к другу страны - Индию и Пакистан. Нагнетание же «готической атмосферы» в первой трети картины, как и поистине несусветные события, разыгравшиеся под занавес в старинном особняке, всё-таки уводят куда-то в сторону от деликатного и тонкого рассказа о том, что исцеление человеческих душ и преодоление физических невзгод возможно благодаря духовному очищению на лоне природы.
Создаётся такое впечатление, что авторы этой ленты не очень-то доверяют классической традиции и упорно пытаются пересказать всеми признанное произведение, удостоившееся почти десятка экранизаций, на модный ныне лад масштабного и дорогостоящего, но нередко куцего по мысли фантазийного кино, где всё видимое и щедро представленное намного важнее внутренней сути, таящейся в глубине явлений. Как будто та лично близкая и даже интимная тайна, которая была ведома лишь одному человеку, решившему поделиться своим открытием ещё с несколькими людьми, кто находится рядом, вдруг стала не только достоянием сотен тысяч и вообще миллионов посторонних, но и предметом для досужих сплетен, шумных пересудов, общественного скандала. Потайной сад словно превратился в гигантский парк развлечений, посещаемый многочисленными туристами со всего света. Одним словом, он оказался очередной «ярмаркой тщеславия», если воспользоваться названием интересной экранизации романа Уильяма Теккерея, осуществлённой Марком Манденом ещё в начале своей режиссёрской деятельности в игровом кино.
Парадоксально, что новый фильм «Таинственный сад» английского режиссёра Марка Мандена получился более голливудским по манере, особенно из-за фантазийных сцен, реализованных со всей мощью современных спецэффектов, нежели прежняя версия произведения Фрэнсис Ходжсон Бёрнетт, которую поставила в 1993 году для американской кинокомпании Фрэнсиса Форда Копполы польская еврейка Агнешка Холланд. Вполне укромный сад за каменной стеной, почти невидимой из-за диких зарослей, превратился в нынешней экранизации чуть ли не в «затерянный мир», ненароком обнаруженный посреди вересковой пустоши на просторах Йоркшира. Конечно, есть в сентиментальной истории, рассказанной Бёрнетт в типичном британском стиле, многозначительная фраза: «Весь мир - это сад». Но вряд ли следовало понимать это слишком буквально, представляя поведанное уже таким образом: «Сад - это весь мир».
А ведь по ряду работ Мандена, созданных для телевидения, можно было предположить, что он подойдёт бережнее и тактичнее к литературному первоисточнику, давно ставшему классикой детского чтения. И не очень понятно, например, зачем понадобилось переносить действие романа, написанного в 1911 году, на три с половиной десятилетия вперёд, когда произошёл раздел бывшей британской колонии на довольно враждебные по отношению друг к другу страны - Индию и Пакистан. Нагнетание же «готической атмосферы» в первой трети картины, как и поистине несусветные события, разыгравшиеся под занавес в старинном особняке, всё-таки уводят куда-то в сторону от деликатного и тонкого рассказа о том, что исцеление человеческих душ и преодоление физических невзгод возможно благодаря духовному очищению на лоне природы.
Создаётся такое впечатление, что авторы этой ленты не очень-то доверяют классической традиции и упорно пытаются пересказать всеми признанное произведение, удостоившееся почти десятка экранизаций, на модный ныне лад масштабного и дорогостоящего, но нередко куцего по мысли фантазийного кино, где всё видимое и щедро представленное намного важнее внутренней сути, таящейся в глубине явлений. Как будто та лично близкая и даже интимная тайна, которая была ведома лишь одному человеку, решившему поделиться своим открытием ещё с несколькими людьми, кто находится рядом, вдруг стала не только достоянием сотен тысяч и вообще миллионов посторонних, но и предметом для досужих сплетен, шумных пересудов, общественного скандала. Потайной сад словно превратился в гигантский парк развлечений, посещаемый многочисленными туристами со всего света. Одним словом, он оказался очередной «ярмаркой тщеславия», если воспользоваться названием интересной экранизации романа Уильяма Теккерея, осуществлённой Марком Манденом ещё в начале своей режиссёрской деятельности в игровом кино.
Хули макаба картинки отклеивает
Цирк инвалидов и вырожденцев-новипов нахуй.
Накидайте ему репортов, чтобы он алгоритм пофиксил.
Ануар - куколд.
Когда читаешь невероятно точные и глубокие отзывы зрителей о собственном фильме, то даже завидуешь, что сам бы так не написал в качестве кинокритика.
"Ваш фильм вызвал во мне много мыслей и ассоциаций. Попытаюсь их оформить. Самое главное, что меня восхитило, это прозрачное, светлое, невероятное изображение, как чёрно-белое, так и цветное. Оператор постарался на славу! Оно напомнило мне работу Нестора Альмендроса в фильме "Моя ночь у Мод" Эрика Ромера. Такой же ослепительный свет и тёплые тёмные тона. Второе - это блестяще подобранная классическая музыка - особенно в проезде по Москве - которая делает фильм одухотворённым и возвышенным. Я вспоминал начало "Июльского дождя" Хуциева, где тревеллинг в машине сменялся портретами живописцев под радиофонограмму. Вы, как и Хуциев, переходите от общего к частному, но в финале возвращаетесь к людям, объединяя их судьбы с судьбой Лены. Образ ангела в фильме кажется мне более выигрышным, чем ангелы в "Небе над Берлином" Вендерса, который я не очень ценю. И эту девушку можно считать не только как хранителя с небес, но и другой ипостасью Лены, той, кем бы она сама хотела быть. На могиле отца она говорит, что раздвоена и должна стать другой. Лена уже не та, что была в детстве. Городская жизнь изменила её. В вечной суете мы забываем о близких, что не свойственно детям, которые больше привязаны к родным. Эта девушка-ангел - внутренняя основа Лены, её душа. Почти как в "Персоне" Бергмана, где Альма - душа, а Элизабет - тело. Важно, что она говорит о зеркале. Она не отворачивается от своего отражения, как это делал профессор в "Земляничной поляне". Во сне Лена подходит к зеркалу, она сама и её отражение исчезают. Появляется ангел, которая обнажена. Это обнажение души, проявление рефлексии. Обращаясь к ангелу, она замыкается в себе, ищет исцеление. Но спасение приходит, когда она смотрит вовне. Приобщается к современникам. К таким же молодым людям, как и она. Жизнь не заканчивается. Чёрно-белое сменятся цветным, как в "Андрее Рублёве". Ещё я хотел бы отметить сцену застолья, где сидит героиня, её родители, и она сама в детстве. Их явление закономерно, как явление отца в "Фанни и Александре". Девочка обращается: "Когда вы вернётесь". Это обращение не только к родителям, но и к самой Лене. Прошлое как бы подталкивает её идти вперёд".
"Психотерапевты отдохнут..
Я потрясена.
Фильм проникает глубоко в сознание, и начинаешь понимать главную героиню, её чувства, внутренние эмоции и переживания.
Она близко, рядом со мной, ближайшая подруга, сестра, знакомая. И уже я еду в этой машине, которая суетится по Москве, по дороге в аэропорт, на вокзал.
По правде говоря, я 3й день нахожусь в этой машине, мчу куда-то, одна, но мне хорошо, т.к. скоро приснится цветной сон, в котором я буду другая.
Не смогла не посмотреть несколько раз, потому как фильм магнетически продолжает свой диалог со мной. Да, эта прекрасная работа не оставит равнодушным никого; блестящая подача материала ценна особенно тем, что история попадает в центр телесного спокойствия, не нужно искать смыслы и подтексты - всё здесь, ясно и просто. И душевно. И по живому.
Спасибо огромное!".
https://kinanet.livejournal.com/
У меня ломки уже.
Для начала надо сказать, что мне вообще нравится то, что делает Бондарчук еще со времен «Девятой роты». И напомню, что предыдущий фильм «Притяжение» я оценил на пять с плюсом (да, у вас есть другое мнение, но вы и сами уже догадываетесь, сколь сильно оно меня может заинтересовать). Вчера была отсмотрена вторая часть — «Вторжение», и сегодня расскажу о ней.
Сразу договоримся: я не понимаю понятие «спойлер». Первый фильм я смотрел два раза, получив второй раз не меньше положительных эмоций, чем когда не знал сюжета. Перед вторым фильмом я прочитал пару отзывов и сюжет в общих чертах представлял, но смотреть это мне не помешало. Поэтому дальше будут спойлеры. И всех, кому завуалированный пересказ сюжета может испортить просмотр, прошу прекратить чтение.
Итак. Вообще писать продолжение успешного законченного фильма — крайне сложная задача. Сюжет, завершившийся удачной женитьбой, полным разгромом врага, а то и обретением божественной силы, продолжать на первый взгляд просто нечем. Выкинуть старое и начать с чистого листа новую историю, да желательно с новыми героями, обычно не позволят ни продюсер, ни зритель. Поэтому задача решается одним из трех способов, я бы их назвал так:
1) «На те же грабли» — это когда сюжет следующей части повторяет предыдущую. Мальчик потерялся в одном аэропорту и его искали полтора часа, а теперь он потерялся в другом. Герой разгромил логово наркомафии и спас дочь, а теперь он разгромит логово террористов и спасет сына. И так далее. Просто, но утомительно.
2) «Есть враг пострашнее» — установившемуся благополучию снова конец, ставки растут. Пришел Терминатор сильнее предыдущего. А предыдущий из врага превратился в друга, и теперь они вместе мочат новое чудовище.
3) «Отношеньки развиваются» — герои продолжают закономерные этапы своего жизненного пути, который наполнен уже новыми проблемами: молодожены вынуждены биться с ядовитой родней, рожают и воспитывают детишек, охраняют семейный очаг от врагов и преодолевают кризисы разного возраста. Для комедийных фильмов типа «Шрек», «Гадкий я», «Монстры на каникулах» — отличный ход.
Авторы «Вторжения» в принципе использовали все три приема. [...]
http://lleo.me/dnevnik/2020/01/25
Hold onto your windsurfing boards, because The Last Shark is the Greatest Movie EVER!
Review in a Nutshell: A surprisingly compelling and emotionally gritty Italian creature feature exploitation film, The Last Shark is much more entertaining that it has any right to be considering the plot is a direct rip-off of Jaws and Jaws II.
По собственному опыту кинокритика знаю, что подчас негативные и вообще резко ругательные отзывы о каких-либо фильмах, наоборот, привлекают внимание читателей-зрителей, которые немедленно хотят посмотреть поносимые критиками картины.
Вот лишь некоторые из отрицательных откликов на мою ленту «…и будет дочь». Далеко не всегда мог привести их полностью, чтобы не раскрыть какие-то важные детали экранного повествования. Даю по хронологии поступления этих замечаний, сделанных профессионалами и обычными зрителями.
26 июля
Проезды слишком слабо сделаны. Даже на новом IPhone горизонт бы так не заваливался.
Меня резануло качество озвучания. Оно волновое немного, ну и с шагами в городе явный перебор, так давно не делают, хотя в советской школе это было принято.
8 августа
И тут же появляется один ответ не все эти вопросы – мизерный бюджет не позволил взять заданную высоту. И тут же утерянные возможности: ах если бы эту картину снимал оператор Рерберг… Ах если бы героиню сыграла молодая Терехова… Но есть один концептуальный огрех у самого автора фильма. Зачем надо было совмещать три разных стиля трех великих мастеров в одном фильме? Ведь явно прослеживаются композиционные цитаты из Одзу в интерьерах, долгие проезды по московским улицам как это сделано в «Солярисе» и «Сталкере», будничный поток жизни Москвы по Хуциевски, поэтический монолог на фоне снега и музыки как в «Зеркале», тема ангелов из «Небо над Берлином». Лично меня это напрягло. По моему мнению, именно такой антиконцептуальный подход авторов будет мешать фильму пробиваться на подмостки фестивальных орбит. Еще хочу особо отметить о двух первых планах, которые просто убили по большому счету интересный фильм.
Несмотря на композиционные огрехи первого плана, второй не стыкуется с той идиллией, которую нам предложили в предыдущем… Некрасивый подъезд жилого дома, вылетает растрепанная героиня, за ним бежит упитанный парень, бытовой диалог, она не может больше этого терпеть, ему звонят, она убегает, он возвращается в дом. Отрывок из телевизионного российского сериала, как по актерской игре, так и по режиссерской задаче. В следующем кадре опять идиллическая музыка и долгий проезд по московским улицам, но уже не цепляет и поэтому долгий проезд становится неоправданно длинным-длинным. Но после долгого проезда тоже ничего не происходит вплоть до появления по телевизору информации о фильме Одзу, которое завязывается с информацией о смерти отца. Отсюда начинается кино, но приходится делать большие усилия, чтобы вернуться к истинному состоянию фильма, которое было заявлено в начальных титрах музыкой. Иначе говоря, надо потерпеть минут 15, чтобы потом насладиться фильмом. Такой подход не будет работать с отборщиками фестиваля. Они отсматривают по 10-20 фильмов в день и первые несколько планов решают судьбу картины моментально. Как только что-то не понравилось в первых кадрах, они тут же начинают смотреть следующий фильм.
10 августа
Но всё же чувствуется Ваша неопытность как режиссёра, видно, что до этого фильма Вы ничего не снимали и отсюда же вытекают типичные ошибки дебютанта, когда хочется как можно больше рассказать в первом же фильме или сделать его как можно сложнее.
11 августа
В этой части есть места, которые нужно почистить, есть еще необходимость пройтись с небольшими ножницами два три раза по всей ленте. И конечно, для полного метра хотелось бы иметь в замысле одно, два события, все же мало нас бросает по течению истории. Что нужно делать однозначно, так это начать фильм должным образом, а не так, как он начинается сейчас. С началом есть большая проблема, впечатление скомканности и кувырка, впечатление пришитых не к месту рукавов...
Если Вы не хотите вырезать дневные проезды в начале, то их можно положить на всю череду титров... но все же, наверное лучше вовсе убрать их в данной структуре.
18 августа
На мой взгляд - слишком много и слишком длинные проезды и виды из окна. Они не несут особой драматической нагрузки. С другой стороны, если их цель была увеличить хронометраж, то это сработало)
21 августа
Если бы на том же уровне была и актёрская игра! Но увы. И тут, уж извините, я безжалостен. У всех - рыбьи глаза, кроме девочки, у неё глаза живые. И вообще хорошее лицо. Плохую актёрскую игру не спасают те плюсы, которые я назвал выше. И от этого - искусственные длинноты без актёров. Как известно, свой первый фильм Занусси - по совету "старших" - сократил на треть, сделав его короткометражным... и от этого только выиграл.
23 августа
Отсутствие опыта у Вас в качестве у постановщика и огромный багаж знаний, приобретенных в качестве кинокритика, приводит к тому, что отлично поставленные сцены чередуются с досадными просчетами.
Героиня узнает что умер отец. Опять сцена с длинным проездом по Москве. Саундтрек кардинально другой, но визуально от сцены в начале фильма отличие только во времени суток, а душевное состояние героини-то совсем другое. Если в начале фильма (которое по хронологии концовка) это умиротворение, то сейчас она испытывает смятение, а визуал нам разницы не показывает. Да, есть визуальные изменения в сцене, вид через лобовое стекло с возникающей в кадре приборной панелью, затем куда-то вверх на фонари, но этого мало для подсознательного восприятия состояния героини, не работает сцена. Тут бы снять через лобовое стекло, которое было бы прилично в трещинах, бывают такие такси - того и гляди лобовое разлетится на куски в любой момент, до усера ездят не меняя.
Сцена с приездом в Домодедово как свинцовый дирижабль. Не взлетает. Ответа зачем героиня, после того как узнала о смерти отца, села в такси, доехала до Домодедово, лишь для того, чтобы снова уехать и сесть на электричку в сцене нет. Ну и оператор сильно перебарщивал, 8 смен ракурсов с одним самоповтором в этой сцене ничем не обоснованы. Никакой смысловой нагрузки не несет. Или оператору или монтажеру минус за сцену. В целом все Домодедово можно под монтажный нож пустить, ничего не поменяется.
25 августа
Очень долгий проезд после расставания с мужчиной. С другой стороны- я знаю что резать его вам не хочется. Но что если ненавязчиво поместить на него начальные титры, по-моему так было у Трюффо в «400 ударах»? Титры на проездах по улицам, снятых из машины.
Эпизод в аэропорту. Самый важный вопрос! На мой взгляд без героини он не работает. Там ведь не только состояние души, но и ее действия, ее решения, ее метания, страхи и сомнения. То, как он решён сейчас, меня выбило из завораживающей ткани фильма и стало напоминать длинное любительское видео.
29 августа
Первые два видеоряда с демонстрацией улиц сняты несколько... непрофессионально что ли.
Очень контрастирует с последующими видами.
Примерно после 20-й минуты появляется ощущение, что смотришь не фильм, а некую любительскую работу, отдающую дань проблемам города вроде железных дорог и т.д.
Кажется, что операторская работа вкупе с музыкальным оформлением здесь превалируют перед сюжетом.
https://kinanet.livejournal.com/5376840.html
Помнится, после выхода суперпопулярного советского фильма «Москва слезам не верит» появилась одна из заметок о нём, которая называлась так: «В какой электричке едет Гоша?». Имелось в виду, что преимущественно зрительниц, женщин старше сорока лет, которые много раз ходили в кинотеатр на эту картину, чрезвычайно волновал вопрос: а где можно в реальной жизни встретить столь необыкновенного мужчину, доставшегося фактически в награду главной героине?!
Это пришло на ум во время просмотра американской ленты «Секрет» (её полное название - «Секрет: Рискни мечтать»), поскольку Миранде, почти сорокалетней вдове с тремя детьми, однажды крупно повезло не только столкнуться в прямом смысле слова с машиной, в которой ехал Брей, холостяк-учёный, к тому же мастер на все руки, но и отдать ему в итоге своё предпочтение вместо другого претендента на роль мужа. И хотя во второй половине повествования всё чуть не разладилось у них, в том числе из-за недоразумения, связанного якобы с присвоением изобретения, которое принадлежало покойному супругу Миранды, потом это благополучно разрешилось. А кто бы сомневался?!
Надо отметить, что фильм Энди Теннанта, который неоднократно в своей режиссёрской карьере обращался к теме случайных знакомств, приводящих к замужеству, или же, напротив, опрометчивых разводов, когда расставшиеся начинают заново искать любой повод для возобновления своих отношений, спасает именно Брей в исполнении Джоша Лукаса. Его герой ведёт себя убедительно и уверенно, основательно и естественно, словно не прилагая особых усилий для того, чтобы завоевать доверие Миранды, детей и даже её свекрови, в отличие от всё-таки суетящегося Такера, довольно нетерпеливого, что-то делающего как бы напоказ и демонстративно, а по сути - сомневающегося в собственном успехе. Брей выигрывает за счёт того, что действительно оказывается нужным, вообще необходимым - как в пожарных ситуациях, так и просто по жизни.
Другое дело, что малоудачной (если не сказать - невыразительной и блёклой) представляется роль Миранды, которую равнодушно и однообразно сыграла Кэти Холмс. Она почему-то выглядит старше своего возраста, особенно в сравнении с активно молодящимся прежним мужем Томом Крузом, и будто оправдывает вместе с героиней определение «тридцать три несчастья». Не очень-то легко поверить, что эта женщина с вечно кислой миной на лице могла заинтересовать и как-то привлечь Брея, некогда обманутого собственной женой. Разве что трое детей ему понравились, как и он сам показался им поистине достойным кандидатом на то, чтобы стать новым отцом и обустроить прежде унылое существование совсем иначе.
Видел почти все фильмы для рецензий в сентябре
На удивление складывается удачно для меня сентябрьский репертуар, если я уже посмотрел большинство фильмов, годящихся для рецензий, а оставшиеся три увижу на днях. То ли я стал чуть подобрее к современному кино, то ли оно стало немножко интереснее.
>терлкабот
>редкритик
>аниманьяша
>ануар
>>2800312
>оптимиссер
>>2800313
бри-маня зашейся
>>2801428
нет блять газовый
ну вы понели
Есть более-менее нескучные, ржомбовые обзоры-подпивасы на фильмы Мы и Солнцестояние, с вкраплениями аналитики, чтоб не чуствовать себя совсем животным заранее спасибо
Есть более-менее нескучные, ржомбовые обзоры-подпивасы на фильмы Мы и Солнцестояние, с вкраплениями аналитики, чтоб не чуствовать себя совсем животным заранее спасибо
Бесполезная хуйня. Первую половину ролика хуйло на обзорщике ходит вокруг да около простого "В Крике обосрались когда обозначили правила для слешера как правила для всего хоррора", остальное время он просто пересказывает мораль разных жанров читая колонку в википедии. И всё это зануным монотонным голосом. Пиздец говно.
Манда не знает о чём говорит. Сразу видно, что она включила "Печать Зла" Правильнее было бы перевести "Прикосновение Зла" только ради престижа и чтобы о ней не думали как о манде, которой интересно только супергеройское кино последних лет. Во-первых, Уэлса сначала позвали как сценариста, потом он вписал себя в сценарий, потом уже ему предложили режиссировать. Во-вторых, она очевидна пытается охарактеризовать манеру съёмки у Уэлса, но говорит только об его отношении к работе, вместо "дотошный" правильно сказать "вычурный". В-третьих, она говорит о какой-то полной хуйне как о причине почему Уэлса сняли. Видно что она не видела ни одного интервью по поводу. Злые продюсеры были довольны Уэлсом, каждый день обсуждались подписания контракта на 3-5 картин, ровно до того момента, когда они увидели сцену изнасилования про которое манда ни слова не сказала. Причём, нужно понимать, что эту сцену даже сейчас тяжело смотреть, не то что в 50-е. В-четвёртых, фильм не попадает в категорию "B", он снимается под такую категорию, кинопроизводство-это бизнес, ты с самого начала знаешь сколько ты готов вложить в производимый тобой продукт, как ты планируешь его рекламировать и как продавать. "Прикосновение Зла" снимался как "B" фильм и продавался как таковой как и любой другой фильм-нуар, потому что нуар был всегда "b" жанром, кроме "Двойной Страховки" и "Третьего Человека", но первая создала жанр, а вторая сначала получила награду в Каннах, а потом и политическую поддержку за счёт растуще зависимости американских киношников от англичан. В-пятых, ну, там просто финальный пересказ Википедии, манда фильм не смотрела. В принципе, это надо ей в комменты это запостить, но мне смелости под своим акком постить никогда не хватит. Да и мерзко со всеми этими пиздолизами в одной секции сидеть.
Ну а ты западных обзорщегов много знаешь?
Там же никакой аналитики, тупой пересказ, либо эмоциональный кринж, контент уровня айфани.
https://youtu.be/Ktf-xp_8W_M
https://youtu.be/JAEWBuorxoQ
https://youtu.be/XZE13U3ML7E
мужчина страдающий аутизмом делает обзоры на dceu снайдера
чё за мелодия на 2:12? догадываюсь что из интрухи кинокомпании
Ух ты, кто-то вспомнил про этот винрар.
Хули циник так мало снимает?
Другие делают говно как и он быстрее, даже бэд.
https://kinanet.livejournal.com/5378832.html
https://kinanet.livejournal.com/5378832.html
https://kinanet.livejournal.com/5378832.html
Фильм «Явление» (в оригинале - «Фатима», в честь португальского городка, где всё случилось в 1917 году) - это уже пятое по счёту обращение в игровом кино к загадочному событию, обозначаемому как Чудо Богоматери в Фатиме. Именно так называлась наиболее известная лента, снятая в 1952 году в США, хотя её опередила годом ранее испанская картина «Фатима». Кстати, ударение в этом слове следует делать на первом слоге, а вовсе не на последнем. Несмотря на то, что постановщиком новой версии стал итальянец Марко Понтекорво, поздний ребёнок признанного режиссёра Джилло Понтекорво, появившийся на свет как раз в год триумфа его фильма «Битва за Алжир», и съёмочная группа была тоже в немалой степени итальянской, но странами-производителями считаются США и Португалия, да и язык, на котором говорят персонажи - английский.
Тут надо мимоходом отметить, что было бы гораздо лучше, если Дева Мария, явившаяся 13 мая 1917 года трём детям-пастухам вблизи Фатимы, сама не обращалась бы к ним по-английски, а вообще могла внушать нужные слова телепатически. Ведь один из троицы, мальчишка по имени Франсишку, даже не видит Богоматерь, в отличие от Жасинты и Лусии, которые как раз поясняют ему, как она выглядит. Вот и молчаливый контакт в кадре Матери Иисуса с юными португальцами оказался бы куда эффектнее вербального. Впрочем, и в давней ленте «Чудо Богоматери в Фатиме» Джона Брама она разговаривала тоже на английском языке, но как-то это не смущало при просмотре, нежели сейчас.
Видимо, некоторое смещение восприятия экранного повествования о чуде, происшедшем на пастбище в Португалии более века назад, связано с заданным нарушением условности не столько из-за титра, указывающего на подлинность истории, сколько по причине введения обрамляющего сюжета о встрече в 1989 году американского профессора Николса с престарелой Лусией, которая посвятила всю свою жизнь служению Господу в женском монастыре. Эта линия представляется всё-таки излишней, потому что она ничего не проясняет, а тем более не в состоянии разрешить вопрос о том, как следует относиться людям, далёким от религии, к чуду в Фатиме, особенно в октябре 1917 года, когда уже 70 тысяч собравшихся наблюдали метаморфозы Солнца, вроде как инициированные Девой Марией.
И знаменательно, что куда интереснее и актуальнее кажется мотив неприятия городскими властями, к тому же вынужденными принимать в расчёт строгие указания из столицы, и даже иерархами церкви, которые не без подозрений смотрят на стихийные проявления неуправляемой толпой своих надежд на вселенское Чудо. Столь нетрудно провести прозрачные параллели с тем, как настороженно и вообще враждебно на протяжении столетий - задолго до явления Христа и неоднократно в нашу эру - встречаются любые попытки неортодоксального религиозного познания мира, не говоря уже о новоявленных святых, которые признаются Церковью таковыми лишь спустя десятилетия, а то и века.
https://www.youtube.com/watch?v=N1nOou-fyBQ
https://kinanet.livejournal.com/5381719.html
https://kinanet.livejournal.com/5381719.html
Проще всего заподозрить новый американский фильм «Вечно» (в России - «Вечность между нами») Скотта Спира в прямом заимствовании из популярной картины «Призрак» / «Привидение», поскольку и здесь парень, который уже умер, как бы продолжает по-своему поддерживать в жизни прежнюю возлюбленную, не желающую смириться с этой утратой. Однако для Спира подобная тема вовсе не случайна, потому что в четырёх лентах из пяти он обращался к историям взаимоотношений молодых людей в пограничных ситуациях, когда им угрожает смертельный исход, или же развёртывающиеся события могут приобретать вероятностный характер. Героям начинает казаться, что у них есть шанс попытаться как-то переиграть предопределённую судьбу и даже с того света словно направлять и корректировать поступки оставшихся в живых, внушая им столь недостающую надежду и уверенность в собственных силах.
Пожалуй, «Вечность между нами», наряду с «Полночным солнцем», хоть и являющимся римейком одноимённого японского фильма, относится к более-менее удачным творениям этого режиссёра. В них сочетается драматизм рассказа о переживаниях юных возлюбленных, которым предстоит неизбежно расстаться на грани между жизнью и смертью, если это уже не произошло, с романтизмом чувств и вообще с сентиментальностью мировосприятия. Разумеется, равнодушным и практически циничным зрителям подобный подход к поведанным сюжетам, как и к окружающей действительности, поневоле приобретающей на экране несколько идеализированный характер, будет глубоко чужд, вызывая глухое раздражение. Но ведь мелодраматические истории, даже облачённые, согласно нынешней моде, в одежды слегка мистических фантазий, всё равно привлекают тех, кто как раз готов расчувствоваться в кино и испытать эмоциональный катарсис на протяжении полутора часов своего рода психотерапевтического сеанса.
Скотта Спира также легко обвинить в поспешности, с которой он снимает собственные картины: если внимательно вчитываться в финальные титры, можно обнаружить, что к 2017 году относятся сразу три из них. Хотя после музыкально-танцевальной дебютной ленты «Шаг вперёд: Революция» / «Шаг вперёд 4» был перерыв аж в пять лет - видимо, постановщик искал именно тот жанр, который оказался бы наиболее близким и интересным. И в последних работах Спир вроде как нашёл нужную тональность, говоря о проявлениях любви и искренних дружеских чувств в самых решающих для существования того или иного человека обстоятельствах жизни. В суете обыденного пребывания на этом свете мало кто задумывается о вечном, предпочитая жить здесь и сейчас. А вот ненароком выясняется, что между нами может пролегать целая вечность, как ни пафосно это прозвучит, с точки зрения скептиков и прагматиков, привыкших всё измерять по условиям сиюминутной корыстной пользы.
У нас в Пидорашке Российской Федерации этот высер это добротное кинцо таки стало кассовым хитом и заработало...
https://vk.com/snegovikposmotrel
ты здесь недавно
Фильм 130 из 366.
"Пункт назначения: Смайл"/Polaroid (2019) Вот я и вернулся после долгих каникул. Спасибо всем, кто ещё здесь. Что-то подсказывает, что я не успею посмотреть 366 фильмов в этом году... Ладно, сколько получится.
Новый сезон начал с ужастика, снятого по стандартным заготовкам. Группа 25-летних старшеклассников нашла очередной проклятый артефакт... Как видно из названия (оригинального, а не убогого перевода), это старинный "Полароид". Кого им фотографируют, за тем приходит некий неубиваемый потусторонний дядя и делает прорубоно, вытягоно и напихо червие. У "детишек", сделавших групповое фото, есть совсем немного времени, чтобы выяснить, как же всё-таки отвести от себя проклятие...
Чем хороши такие фильмы: они, пусть и не страшные, но как правило, весьма интересные: хочешь не хочешь - а досмотришь по инерции. Мол, как там герои выпутаются? Плюс ко всему "Полароид", благодаря титульному агрегату, имеет ещё и ностальгическую ценность. #полароид #ужасы #явернулся
Взявшая в руки меч
https://kinanet.livejournal.com/5383153.html
Нет ничего удивительного в том, что в Голливуде, за неимением новых интересных историй, постоянно возвращаются к прежним, снимая не только повторные версии популярных игровых фильмов, но и переделывая анимационные ленты, уже с участием живых, а не нарисованных исполнителей. Так что не случайно в финальных титрах свежего варианта «Мулан» кинокомпании «Уолт Дисней» можно обнаружить добросовестное упоминание нескольких сценаристов, трудившихся над успешной картиной 1998 года, которая была основана в довольно вольной форме на классической китайской поэме-легенде о геройской воительнице, чьё имя вообще-то Хуа Мулань. И как раз многие зрители и кинокритики посвятили свои отзывы дотошному сопоставлению того, что оказалось попросту позаимствованным из мультфильма, а какие-то сюжетные линии, напротив, были намеренно опущены - согласно нынешней приверженности строгим правилам политкорректности.
Однако проблема этой ленты, созданной преимущественно женским коллективом, который возглавила Ники Каро, давно экспортированная из родной Новой Зеландии после неожиданного признания всё-таки средней по уровню картины «Оседлавшая кита», заключается не столько в её явной феминизации. Конечно, по сравнению с другими версиями, которых появилось немало, начиная с 20-х годов, причём в разных странах, чересчур заметно, как искусственно выпячивается мотив скрытой женской силы, наличествующей, кроме Мулан, ещё и у её злой антагонистки, по сути - ведьмы, но провоцирующей приступ геройства и даже доминирования над сугубо мужским миром именно в заглавной персоне. И всё же опрометчивее в экранной интерпретации Каро то, что данная «Мулан» никак не определена по своему жанру.
Анимационный фильм 1998 года привлёк повышенное внимание зрителей по всему миру (за исключением КНР), пожалуй, из-за типичного для современной диснеевской продукции обращению к историко-приключенческому фантазийно-комедийному зрелищу с непременными хитовыми песнями. Китайские киноварианты 2009-го и 2020 года (да, успели опередить американцев!) склоняются в какой-то степени к историческим драмам, пусть и со сценами восточных единоборств и порою жестокими моментами, которые недопустимы, разумеется, в Голливуде, где вынуждены ориентироваться на возрастной рейтинг PG-13. А американская «Мулан» повисает где-то между приключенческим и фантазийным кино, в то же время не отказываясь от абсолютно неуместных бытовых эпизодов из армейской жизни девушки, которая облачилась в мужскую униформу и взяла в руки меч, чтобы сражаться с так называемыми варварами - жужанями, вторгнувшимися на территорию империи Северный Вэй. Но в отличие от героини, постановщица Ники Каро не очень-то уверенно «сидит в седле», куда её заманили, по всей видимости, по причине интереса к сильным женским характерам.
ануар претенциозный и недалёкий лох
а у рыжего чувака всё ебало в желтом тональнике
Кроткая
https://kinanet.livejournal.com/5384863.html
https://kinanet.livejournal.com/5384863.html
Явно необычной следует признать вполне скромную и вроде бы малоприметную, как раз под стать главной героине, независимую американскую картину «Ассистентка» (судя по сюжету, правильнее было бы назвать её «Помощницей»). Эта лента 35-летней австралийки Китти Грин, дебютантки в игровом полнометражном кино, способна привлечь не только из-за особой режиссёрской манеры, скорее - европейской или же в духе таких американцев «далеко в стороне от Голливуда», как Джон Джост и Хэл Хартли. Молодая девушка Джейн, которую воспринимают все окружающие в качестве своеобразной «серой мышки», почему-то может напомнить заглавную героиню из «Кроткой» Робера Брессона, которую сыграла Доминик Санда в вольной французской экранизации произведения Фёдора Достоевского.
Вот и застенчивое обаяние 25-летней американки Джулии Гарнер, между прочим, начавшей брать актёрские уроки в пятнадцатилетнем возрасте, чтобы преодолеть собственную робость в жизни, возникает словно из ниоткуда, как будто из подробного, заученного, почти механистичного выполнения заурядной помощницей в нью-йоркском офисе какой-то кинокомпании своих привычных мелких обязанностей - от секретарских до элементарных: «пойди, принеси, убери, помой». И Джейн делает всё это с невозмутимостью на лице, стоически выдерживая фактически унизительное к себе отношение даже со стороны ленивых и беспечных парней-менеджеров, не говоря уже о грозном боссе, остающемся за кадром, и его сварливой жены, которая надоедает телефонными звонками по любому поводу. Создаётся впечатление, что именно кротость и чуть ли не блаженность - это истинная сущность юной натуры, призванной смиренно и жертвенно нести свой крест и не роптать. Этакая святая в масштабах отдельно взятой фирмы, тем более занимающейся таким делом, как кинематограф, где немало соблазнов и соблазнений, успехов и пороков, славы и унижения.
Сама постановщица ссылалась на то, что одним из побудительных мотивов для создания данного фильма стало для неё движение MeToo, которое продолжает набирать обороты в США (да и в других странах) и должно положить конец грязной и возмутительной практике «сексуального харрасмента», что существует давно, но лишь теперь подверглось всеобщему осуждению. Однако художественный строй «Помощницы» / «Ассистентки», в том числе благодаря главной исполнительнице, выглядящей удивительно доверчивой и искренней даже в тот момент, когда она решает, в общем-то, донести на своего шефа, который приглядел себе где-то в провинции очередную жертву плотских утех, в немалой степени опровергает правоверный общественный пафос, свойственный другим произведениям примерно на ту же тему.
Последние полчаса экранного повествования, когда Джейн вроде как опять возвращается к обычной рутине собственного пребывания в офисе, покорно оставаясь беспрекословной помощницей, могут кого-то смутить якобы из-за бесполезности этих сцен, ничего не дающих для понимания характера кроткой девушки. И всё же что-то неминуемо меняется в её поведении, как и в том, как Джейн говорит в финале по телефону со своими родителями. Она точно не сдастся и со временем добьётся того, о чём мечтает - станет важной фигурой в кинобизнесе. Судьба некоторых успешных бизнес-леди в Голливуде - тому подтверждение. Другое дело, что кротость будет обязана превратиться в упорство. И ещё многим придётся пожертвовать.
https://www.youtube.com/watch?v=_AJXKGkY07o
https://kinanet.livejournal.com/5387383.html
https://kinanet.livejournal.com/5387383.html
Если сначала увидеть новый фильм «Никогда, редко, иногда, всегда» американки Элайзы Хиттмен, работающей в независимом кино, а уж потом ознакомиться с дебютной полнометражной картиной «Похоже на любовь», которая была снята ею в 33-летнем возрасте, то точно можно воспринять обе ленты как своеобразную дилогию, пусть и про разных героинь. Ведь то, что переживала четырнадцатилетняя девочка в прежнем фильме, стремясь непременно приобщиться раньше времени к интимному миру более старших юношей и девушек, вполне могла испытать в своём подростковом возрасте семнадцатилетняя Отам (имя означает «осень»). Тем более что на приёме в нью-йоркской клинике, где девушка хочет избавиться от нежелательной беременности, ей долго задаёт откровенные вопросы женщина-психолог про раннюю сексуальную жизнь, на которые следует ответить, выбрав только один вариант из четырёх предложенных. Как раз эти версии ответов вынесены в заглавие последней картины Хиттмен. И выясняется, что у Отам всё-таки был опыт интимных связей, начиная с пятнадцати лет.
Неизбежно сравнивая две ленты, нетрудно удивиться, что первая из них отличается довольно редкостным в кино любованием девичьей плотью при сохранении какого-то чистого и практически платонического влечения героини к противоположному полу. А вот во второй уже познавшая тайны секса словно отгораживается теперь от любых подобных контактов и лишь однажды наблюдает со стороны чуть ли не с недоумением, как целуется и крепко обнимается на улице со встреченным парнем её кузина. Скорее, Отам обострённо испытывает последствия преждевременных интимных отношений - и уже затруднилась бы сказать, даже если бы её спросили об этом, насколько скоро захочет вновь предаться таким утехам, больше предпочитая петь собственные песни о возвышенной любви.
Собственно говоря, и промежуточный фильм «Пляжные крысы» Элайзы Хиттмен, где секс на экране способен вызвать отвращение и вообще произвести мерзопакостное впечатление, повествует о том же самом конфликте в душе молодой персоны, будь то девушка или парень, между неутомимым желанием любить хоть кого-то в человеческом плане и зачастую опустошающим плотским влечением. И так легко обознаться, приняв инстинктивные порывы своего тела за проявления подлинных чувств, а с другой стороны - потерять контроль над собой и пуститься во все тяжкие, уже заслуженно (а не из чьих-то мстительных побуждений) получить оскорбительные прозвища «шлюха» или «пидор».
Героиня последней картины Хиттмен как бы балансирует между стадиями «никогда» и «всегда», но пока что избегая даже вариантов «редко» и «иногда». Можно сказать так: обжёгшись на молоке, дует на воду. Она со стоическим смирением проходит всё-таки унизительные для юной особы медицинские, а главное - трудные психологические процедуры, решаясь сделать аборт на позднем сроке и не в родной Пенсильвании, где это запрещено, а также втайне от родителей. И бывшая девочка-подросток взрослеет у нас на глазах, превращаясь в молодую женщину, которая уже лучше знает, что она хочет от жизни.
>бэдкозлина колекшын
Ты бы мне еще принёс топ лучших фильмов по версии твоего одноклассника, 4мо.
Ну вот нахуй они нужны все эти обзорчики, ну честно? Зашел на двач, спросил че глянуть, посмотрел, сложил свое впечатление. Кино смотрите, а не обзорчики - чума нашего поколения
Да, сам охеревал с этого говноеда в рекомендациях после ремастера варкрафт 3. Да это докадебилы. Есть еще шизоид лысый бородатый как на пике.
Давайте хоть дверь ему обоссым
Видеоконференция с моим участием
https://cloud.mail.ru/stock/jmVhtgKmsmECCawmR9GTaroD
https://kinanet.livejournal.com/
Посмотрел где-то 5 его видосов еще года три назад и охуел с того, как он переливает с пустого в порожнее. Топовый дегенерат.
>>2811347
Написал в его группе в вк, что фильм Салют 7 неплохой. Результат — бан на месяц.
Ты про этот? https://youtu.be/zXaGJ_25byw
А с чего ты решил что твое мнение кому-то интересно? Или у тебя недержание и ты им срешь всегда и везде?
>Каждое мнение имеет право быть
Как отец, так и сын
https://kinanet.livejournal.com/5389545.html
Пожалуй, название английского фильма «Сделано в Италии» надо посчитать неудачным. Хотя действие происходит преимущественно в Италии, а именно - на фоне прекрасных видов Тосканы, где находится старинный дом, ранее принадлежавший семье Раффаэллы, жены-итальянки художника-ирландца Роберта Фостера, которая рано умерла, а их сын Джек был в Италии только в детстве и вообще намерен продать запущенное здание, чтобы выкупить художественную галерею в Лондоне. Он уговаривает отца согласиться на это и вдобавок привести в порядок дом для привлечения потенциальных покупателей. Но вполне рекламное понятие Made in Italy мало подходит для истории непростых взаимоотношений отца и сына (кстати, их сыграли связанные именно такими родственными узами Лиам Нисон и Майкл Ричардсон, который решил официально взять фамилию своей матери Наташи Ричардсон после её смерти).
То есть у экранного рассказа, режиссёрского дебюта английского актёра Джеймса Д’Арси, осуществлённого им в 44-летнем возрасте, есть пересечения с жизнью главных исполнителей, да и сам постановщик тяжело переживал в детстве кончину собственного отца. И вот то, как отец и сын наконец-то находят душевное понимание друг у друга, обретают доверительный человеческий контакт, занимаясь якобы рутинной работой по восстановлению красивого облика старого здания, впрочем, проявляя и в этом деле свои творческие натуры, всё-таки представляет интерес в данной ленте. Правда, она набирает силу только ближе к финалу, а прежде её легко заподозрить в некоем «туристическом пафосе», на что опять же намекает название «Сделано в Италии».
Пришлым иностранцам, которыми являются Роберт и Джек, действительно любопытна и в какой-то степени для них экзотична жизнь обычных итальянцев, никогда не унывающих и проводящих всё свободное время в тратториях или на танцах где-нибудь на природе. Но парадокс сюжетной ситуации заключается в том, что отец и сын остаются до поры до времени как будто «случайными туристами» между собой, встретившихся в совместной поездке куда-то за границу, подальше от вполне привычного существования в британской столице, где ведь они тоже были вроде бы «понаехавшими», выходцами из Ирландии. Между прочим, и у Джеймса Д’Арси мать - ирландка по фамилии О’Коннор, которая в одиночку воспитывала сына после смерти мужа.
Главный посыл его картины, разумеется, нельзя не оценить: надо больше доверять и просто доверяться тем, кто рядом, в том числе делясь своими глубоко личными воспоминаниями о покойных, не опасаясь излишне разбередить юные души собственных детей, которые потеряли мать или отца в раннем возрасте. И тогда будут истинной наградой очищающие слёзы близких, довольно долго пребывавших словно в положении посторонних во взаимоотношениях без души и родственной теплоты.
https://kinanet.livejournal.com/5389621.html
https://kinanet.livejournal.com/5389621.html
Весьма необычно обнаружить, что сразу после окончания второй мировой войны, в которой Япония получила позорное для себя поражение, такой исследователь человеческих душ, как Микио Нарусэ, снял социально-фарсовую картину "Оба - ты и я" (1946) о двух сотрудниках среднего возраста, которых запросто использует директор фирмы в качестве бесплатной рабочей силы для своих личных нужд. А ещё заставляет выступать комическим дуэтом на корпоративных междусобойчиках и даже на празднестве у себя дома, причём с песнями, танцами и переодеванием одного из них в женскую одежду. Но однажды оба подневольных, обидевшись на сравнение с парой простых сандалий, всё-таки бесполезных по одиночке, а также наслушавшись на домашних репетициях своих повзрослевших детей довольно острой по содержанию пьесы о протесте работников компании против властного начальника, сами решаются на дерзкий вызов. И добиваются восторженной реакции со стороны коллег, тоже уставших от неадекватных капризов директора-самодура.
Гораздо позже появятся в японских офисах специальные комнаты для снятия подспудной и давно копящейся агрессии - в том числе можно там отыграться с лихвой, избивая резиновую куклу, похожую на босса. А вот фильм Нарусэ уже в первый послевоенный год как бы выполняет ту же самую психотерапевтическую функцию, позволяя избавиться от мучающих комплексов с помощью смеха и намеренного остранения исходной ситуации, когда оба главных героя - как забавная парочка наподобие Пата и Паташона или Лорелла и Харди, два клоуна-клерка, вынужденных играть свои жалкие роли до тех пор, пока не кончится терпение. И вот тогда они могут вздохнуть свободно, наплевав на строгую социальную иерархию.
А в следующем году Нарусэ создаст, намного опередив время, довольно смелую и чувственную ленту "Пробуждение весны" о старшеклассниках (и играли их ровесники - например, Ёсико Куге, исполнительнице главной роли, было 16 лет), которые уже хотят всё знать об интимной стороне жизни, несмотря на строгие запреты родителей и учителей. Между тем, этот фильм о пока что робком пробуждении чувств у юных японцев наполнен поэзией и романтикой человеческих отношений, снят проникновенно и с тактом. В качестве своеобразных рифм в творчестве данного постановщика можно привести раннюю работу "Три девушки, чистые в своих помыслах" и две поздние: "Смятение" и "Размётанные облака".
>Сырник
Серьёзно?
https://www.twitch.tv/videos/739179039
>>2824730 (OP)
>>2824730 (OP)